Josefin Andersson est née en Suède en 1987. Cofondatrice du bureau en ligne INTÄKTEN, elle est membre du collectif féministe comique
« Dotterbolaget ». Elle travaille sur les différents mécanismes d’attraction et de hiérarchie sociale tels que l’économie et le genre. Elle est actuellement en Master à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts.
Ksenia Aksenova est née en Russie en 1983, elle vit et travaille à Oslo. Parralèlement à des etudes en histoire de l’art et en théorie de la photographie à Moscou, elle y a validé un Master en linguistique. Par ailleurs, elle a participé à la Biennale de Venise au sein du pavillon de l’Asie centrale (2013) et au « First Supper Symposium: Second Course » (2014). Egalement co-organisatrice de « Akademirommet au Kunstnernes Hus » - espace expérimental pour les étudiants, l’équipe et les invités passant par l’Académie - elle est actuellement en Master à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts.
Burak Arikan est un artiste vivant entre Istanbul et New York. Il est diplômé du MIT Media Laboratory en « Physical Language Workshop » (PLW). Dans sa pratique, il utilise les réseaux complexes et prend comme entrées principales les questions sociales, économiques et politiques élémentaires qu’il aborde par un mécanisme abstrait, génèrant des cartes de réseaux et des interfaces algorithmiques. Il en résulte des données performantes et des prédictions visant à rendre visibles des relations de pouvoir vouées à être débattues. Burak Arikan est le fondateur de « Graph Commons », une plateforme de cartes de réseaux collaboratives.
Il a présenté son travail dans des institutions telles que le MoMA à New York, la Biennale d’Architecture de Venise, Biennale de São Paulo, Biennale d’Istanbul, Biennale de Berlin, Biennale de Marrakech, Ars Electronica, Neuberger Museum of Art, KW Institute for Contemporary Art, Borusan Contemporary, Centre culturel DEPO, etc. Ainsi que dans des lieux indépendants tels qu’Art Interactive Cambridge, Künstlerhaus Bethanien, Hafriyat, Turbulence (plateforme web). Il a également donné des conférences et des workshops au sein de grandes universités.
Pianiste, arrangeur, compositeur et parolier, Alexey Asantcheeff est un musicien franco-britannique d’origine russe qui puise son inspiration à la fois dans la musique classique et dans le jazz qui le nourrit au quotidien. Petit-fils du compositeur et chef d’orchestre écossais Jack Lockhart, Alexey Asantcheeff commence l’étude du piano classique à l’âge de 7 ans, sous l’égide de la pianiste italienne Carla Segalini. Il complète sa formation jazz au sein de l’American School of Modern Music de Paris (filiale de la Berklee School of Music de Boston), avant de suivre l’enseignement de Pierre Bertrand (Paris Jazz Big Band, Nice Jazz Orchestra…) avec qui il explore
les rouages complexes de l’orchestration pour Big Band. Alexey Asantcheeff explore le langage harmonique modal auprès du réputé professeur hongrois Emil Spanyi. Il suit en parallèle les cours d’orchestration classique de David Lampel, afin de maîtriser l’usage des cordes au sein d’un ensemble plus important et cultive dès lors un goût prononcé pour l’arrangement, ce qui l’amène à multiplier les collaborations. Enfin, il compose également pour piano et/ou orchestre à géométrie variable une musique plus personnelle,
au carrefour de ses différentes influences et de ses racines russes et écossaises, musique où les accents slaves se perdent dans l’immensité des lochs nordiques.
Beirut est un espace d’expositions et d’initiatives artistiques, basé au Caire, qui considère la construction d’institution comme un geste curatorial. Ses principales activités sont l’accueil d’artistes, la production d’oeuvres d’art, de projets de recherche et de partenariats avec d’autres institutions (locales, régionales et internationales) qui partagent un engagement commun sur les questions politiques, économiques, écologiques, artistiques et d’éducation. En tant qu’institution, Beirut souhaite être partie prenante des changements rapides qui s’opèrent actuellement en Egypte. Dans ce moment crucial de transition, cette structure accorde une importance toute particulière à observer la vie contemporaine par le spectre de l’art et à fournir des réponses concrètes. Beirut agit comme un forum à travers lequel une communauté internationale d’artistes, de travailleurs, de poètes, d’écrivains, de cinéastes, de militants, d’architectes, de penseurs et d’étudiants peuvent partager leurs affinités et leurs opinions sur la société, dans le but de créer de nouveaux fondements et d’affirmer des positions critiques qui reflètent cette nouvelle situation dans laquelle tout est
imaginable. Beirut a été fondé en mai 2012 par Jens Maier-Rothe et Sarah Rifky, rejoint la même année par Antonia Alampi.
Antonia Alampi est historienne de l’art, commissaire d’exposition et auteure. Elle est née dans le sud de l’Italie et vit au Caire depuis 2012 où elle est curatrice pour le centre d’art Beirut. Elle est aussi directrice du « Imaginary School Program » et chargée de cours en histoire de l’art à l’Azza Fahmy Design Studio. Elle donne des conférences sur le commissariat et l’histoire de l’exposition dans le cadre du programme de Master de l’Alchimia Jewelry School de Florence et est membre du conseil consultatif de Viafarini à Milan. Elle a cofondé et codirigé à Rome le projet Opera Rebis, une initiative artistique à but non-lucratif qui n’a pu être pérennisée en raison du manque de financements publics accordé aux initiatives de petites envergures en Italie. Elle a travaillé pour des institutions telles que Manifesta7, Galleria Civica di Arte Contemporanea à Trento et le Studio Stefania Miscetti. Ses écrits ont été publiés dans diverses revues, magazines et publications artistiques. En indépendante, elle aussi organisé de nombreuses expositions collectives et monographiques.
Amelia Beavis-Harrison est née en 1986 en Angleterre, elle vit et travaille entre la Norvège et l’Angleterre et utilise la performance afin d’explorer des narrations et des histoires. En 2014, elle a remporté le prix « Ungkunststipend / Festspillene i Nord-Norge » et présentera en 2015 sa performance Of Fire and Ice durant leur festival en juin. Cette année, elle a également exposé et performé à Critical Costume (plateforme), l’Université Aalto d’Helsinki, Live Art Bistro (Leeds, Angleterre), galerie Syson (Nottingham, Angletrre) et Spikersuppa Lydgalleri (Oslo, Norvège). Ses expositions et performances les plus notables ont été produites au Performance Art Oslo Festival (2014), Dimanche Rouge Festival et au Helsinki Art Museum (2013), SPILL Festival de Londres (2012) et au World Event Young Artists en Angleterre (2012). Elle est actuellement en Master à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts.
Enrico Casagrande et Daniela Nicolò dirigent la compagnie Motus qu’ils ont fondée en 1991 à Rimini en Italie. Ils pensent leurs projets en réaction à l’actualité à partir de l’observation de faits sociaux, se nourrissant des contradictions contemporaines et les traduisant afin de donner matière à réflexions et provocations. La pratique théâtrale de Motus se caractérise par la mise en relation et la combinaison sur scène de textes classiques - comme Antigone de Sophocle réécrit par Berthold Brecht ou La Tempête de
Shakespeare - et de sujets, conflits ou blessures caractéristiques de notre réalité socio-politique actuelle. Ils croient profondément en
un théâtre qui impacte et soulève des questions plutôt qu’il ne rassure.
DAAR (Decolonizing Architecture Art Residency) est un studio d’architecture et un programme de résidence basé à Beit Sahour en Palestine. Les productions du DAAR mêlent spéculations conceptuelles et interventions pragmatiques dans l’espace, apprentissages collectifs et moments d’échanges. DAAR explore les possibilités de retournement, de subversion et de profanation des structures actuelles de domination : bases militaires évacuées, transformation de camps de réfugiés, réhabilitation de bâtiments gouvernementaux inachevés ou encore villages en ruines. DAAR a reçu le prix « Claus Prize for Architecture » et une bourse de la
« Foundation for Arts initiative », il a été sélectionné pour le « Lakov Chernikhov Prize ». Ses projets sont montrés dans plusieurs biennales et musées à travers le monde (www.decolonizing.ps).
Sandi Hilal and Alessandro Petti ont fondé DAAR, qu’ils co-dirigent depuis. Ils sont tous les deux architectes et chercheurs en urbanisme. Par leurs recherches et leurs pratiques, Hilal and Petti s’engagent dans la pédagogie critique ; ils ont créé un programme d’éducation expérimentale dans le camp de réfugiés Dheisheh à Bethléem en partenariat avec l’Université Al Quds et hébergé par le Phoenix Center (www.campusincamps.ps). Plus récemment, ils ont co-écrit le livre Architecture after Revolution (Sternberg, Berlin 2014) : une invitation à repenser les luttes actuelles pour la justice et l’égalité, non seulement dans une perspective historique de révolution, mais aussi dans la poursuite de la lutte pour la décolonisation.
Artistes et amis, Henning Erlandsson et David Torstensson partagent des engagements et des rêves depuis plus de 10 ans. Ils ont été admis en duo à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts. Cette admission devait leur assurer une marge de manoeuvre pour agir collectivement. Au lieu de cela, ils ont passé ces deux dernières années à élaborer des stratégies pérennes afin de savoir comment partager des pratiques actives au sein d’une relation étroite. Ils ont notamment réalisé le projet Siggalycke, du nom d’une ancienne école construite en 1907. Aujourd’hui, ce bâtiment est devenu une maison pour certains, un lieu de vacances pour d’autres, ou encore un endroit où étudier, construire collectivement, une école auto-organisée, un lieu d’accueil de cercles d’études, une cuisine, un lieu de célébrations et de rituels. C’est un espace de discussion, de communion et de compréhension de la politique, de la crise, de l’anxiété, de l’amitié, de la dépression et de l’économie.
L’artiste Thomas Hirschhorn est né à Berne en 1957. Il a étudié à la Schule für Gestaltung de Zürich entre 1978 et 1983 et vit à Paris depuis 1984. Son travail est présenté dans de nombreux musées, galeries et expositions internationales tels que la Biennale de Venise (1999), Documenta 11 à Kassel (2002), 27ème Biennale de São Paulo (2006), 55ème Carnegie International, Pittsburgh (2008), Triennale au Palais de Tokyo (2012), 9ème Biennale de Shanghaï (2012), Gladstone Gallery New York (2012), Manifesta 10 à Saint-Petersbourg (2014). ll était l’artiste invité du Pavillon Suisse pour la 54ème Biennale de Venise (2011). A travers chacune de ses expositions et de ses projets spécifiques dans l’espace public, Thomas Hirschhorn affirme son engagement envers un public nonexclusif.
En 2013, il réalise le « Gramsci Monument » dans le Bronx à New York et en 2014 « Flamme éternelle » au Palais de Tokyo. Une sélection de ses écrits a été publiée par MIT Press (October Books) sous le titre Critical Laboratory: The Writings of Thomas Hirschhorn. Le livre Gramsci Monument sera publié en 2015 par Koenig Books et la Dia Art Foundation.
Mathias Jud et Christopher Wachter, artistes d’origine suisse, habitent et travaillent à Berlin. Ils ont participé à de nombreuses expositions internationales et ont reçu plusieurs prix. Les projets picidae (depuis 2007), New Nations (depuis 2009) et qaul.net (depuis 2012) ont notamment bénéficié d’un large intérêt. Ces projets, basés sur l’ « open-source », luttent contre les formes de censures sur internet, visent à réduire la concentration du pouvoir politique et à rendre indépendante l’infrastructure. Les outils produits par ces artistes sont utilisés par des communautés aux Etats-Unis, en Europe, en Australie et dans des pays tels que la Syrie, la Tunisie, l’Egypte, l’Iran, l’Inde, la Chine, la Thaïlande et même en Corée du Nord. En 2012, le projet HOTEL GELEM, réalisé avec des familles
roms à travers l’Europe, a été primé par le Conseil Européen.
Marie Lechner est journaliste spécialiste des cultures numériques. Elle a animé durant quinze ans une rubrique hebdomadaire dans le quotidien national Libération et a participé à l’élaboration d’Ecrans, magazine hebdomadaire lancé par le journal en 2006, consacré à “la civilisation des écrans”. Elle collabore à Arte Creative et à MCD (Musiques et cultures digitales). En 2011, elle co-organise un Speed Show Volume 5 « Open internet » avec Anne Roquigny et Aram Bartholl. En 2011-2012, elle organise un cycle de conférences à la Gaîté Lyrique en partenariat avec Arte Creative, intitulé Le Folklore du web. En 2014, elle réalise une conférence Supertalk, Le Wi-fi, de l’Antiquité à nos jours. Depuis 2015, elle est chercheuse au PAMAL (Preservation & Art – Media Archaeology Lab) de l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon.
Le Living Theatre est une troupe de théâtre expérimental libertaire créée en 1947 à New York par Judith Malina (1926-2015) et Julian Beck (1925-1985). Judith Malina était metteur en scène d’avant-garde, tandis que Julian Beck a d’abord commencé avec la peinture (il a notamment exposé en 1945 dans la galerie new yorkaise de Peggy Guggenheim) avant d’être scénographe et dramaturge. À travers des oeuvres libertaires engagées, fortement influencées par Antonin Artaud et par le théâtre épique, le Living Theatre a permis un renouvellement des formes théâtrales et généré une influence importante sur le théâtre des années 1950 à nos jours. En 1968, le Living Theatre fait scandale au 22ème Festival d’Avignon. Il y est invité pour présenter trois oeuvres au Cloître des Célestins : Antigone d’après un texte de Brecht, Small Mysteries et Paradise Now. Le 24 juillet, lors de la représentation de cette dernière pièce, Julian Beck prône un théâtre qui doit « sortir de sa prison » et envahir la rue. Après le spectacle, un défilé s’improvise dans la ville. La foule scande « le théâtre est dans la rue ». Dès le lendemain, le maire, sans doute sur l’injonction du préfet et à la suite de plaintes, demande au Living de substituer à Paradise Now une des deux autres pièces de son programme. Paradise Now entre dans la légende. En 1970, après deux ans de tournée de Paradise Now dans toute l’Europe, le Living Theatre se sépare. Julian Beck et Judith Malina poursuivent alors séparément leurs propres recherches formelles.
Renata Lucas est une artiste brésilienne née en 1971 qui vit et travaille à São Paulo. En 1999, elle obtient son Master d’Arts plastiques à l’Universidade Estadual de Campinas, puis valide son doctorat à l’Université de São Paulo. En 2001, en collaboration avec un groupe d’artistes, elle crée la galerie non commerciale « x 10,20 3,60 », où elle réalise sa première exposition personnelle. Son travail a notamment été exposé à la Biennale de São Paulo (2006), à la Tate Modern de Londres (2007), à l’Institute of Contemporary Art de Boston (2008) et à la Biennale de Sydney (2008) puis présenté en 2009 dans l’exposition « Fare Mondi / Making Worlds »
à la 53ème Biennale de Venise. Renata Lucas travaille habituellement à partir de situations préexistantes. En se basant sur des fictions, elle intervient dans des paysages et des architectures où l’arrière-plan devient le personnage principal. Ces déplacements créent des espaces qui deviennent le principal centre d’attention, révélant leurs structures profondes et proposant de significatives transformations. Elle est aux Laboratoires d’Aubervilliers depuis mai 2015 pour un premier temps de résidence.
Line Møller Lyhne, née en 1991 au Danemark, est actuellement étudiante à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts.
Son travail plastique met en dialogue l’art et le design. Consacrant une grande partie de son travail à la collecte, elle utilise tous types de matériaux et d’objets. Elle considère sa pratique artistique comme une exploration de notre relation tactile, physique et associative à la sculpture, sa disposition et son interaction dans l’espace : comme la poésie de combiner, choisir et composer la matière et comme une célébration d’une certaine esthétique et approche expérimentale de nouveaux matériaux et de leurs potentiels.
Nathalie Magnan est professeure à l'école nationale supérieure d'art de Bourges. Elle a dirigé La video entre art et communication (ensba 1997), ainsi que Connection, art, réseaux, média (ensba 2002) en collaboration avec Annick Bureaud. Parmi ses autres publications : « Hacktivisme : pour une pratique politique du code » dans Arts Numériques, tendance, artistes, lieux & festival (ed. M21, 2008) et Donna Haraway, Manifeste cyborg et autres essais, science-fiction-féminisme sous la direction de Laurence Allard, Delphine Gardey, Nathalie Magna (édition Exils).
Elle a enseigné à l'université de Paris 8 et à l'université de Californie à Santa Cruz.
Jasmina Metwaly et Philip Rizk sont respectivement artiste et réalisateur. Ensemble ils ont réalisé en 2014 le film Out on the streets (Egypte, 2015, 71 min), sur un groupe de travailleurs égyptiens du quartier ouvrier Helwan. Dans ce film, dix ouvriers participent à un atelier de jeu d’acteur. À travers les répétitions émergent des histoires racontant l'injustice de l'usine, la brutalité de la police, la fabrication d’accusations criminelles par les tribunaux, et d'innombrables histoires de corruption et d'exploitation de leurs employeurs capitalistes. Sur le toit du studio donnant sur le centre du Caire – lieu qui devient le symbole d’un possible glissement entre réalité et fiction - les participants entrent et sortent de leur personnage, performent des scènes qui engagent leur réalité quotidienne. Dans Out on the streets s’entremêlent des scènes d’atelier, des scènes de fiction et des images filmées au téléphone portable par un travailleur : des preuves fournies à la justice afin qu’elle empêche la destruction de son lieu de travail. Cette approche multiple vise à engager un imaginaire collectif et à placer les participants et les spectateurs dans une lutte sociale plus large.
Docteur en histoire de l’art et esthétique, historien et théoricien des arts et de la culture contemporaine, Marc Partouche est directeur de l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris. En parallèle d’une carrière de haut fonctionnaire, il conduit différentes activités au service de la création contemporaine : organisation d’expositions, création et diffusion de revues et de magazines, création et direction de collections d’ouvrages.
Dans le même mouvement, il développe un travail de recherche et d’écriture comprenant de nombreux articles, textes de catalogues, livres d’artistes et plus particulièrement : Marcel Duchamp. Sa vie même (al dante éd.), La lignée oubliée. Bohèmes, avant-gardes et art contemporain, de 1860 à nos jours (al dante éd.), Une vie de banlieue. Sur les photographies d’Alain Leloup (Hazan éd.), Les Déchargeurs. Manifeste de l’individualisme Solidaire (FRAC éd.), Mauvais œil et peinture abstraite (Sgraffite éd.), Orlan (Jéricho éd.). Il a également été responsable éditorial sur les ouvrages suivants : Isou. Contre l’Internationale Situationniste (H.C. éd.) et W.Flusser. Les gestes (H.C. éd., réédition Les cahiers du Midi).
Nathalie Quintane, née en 1964, publie ses premiers textes dans des revues de poésie, puis chez P.O.L. des livres sans indication générique ainsi que deux romans. Elle participe à de nombreuses lectures publiques, en France et à l'étranger et travaille régulièrement avec des artistes (Stéphane Bérard, Xavier Boussiron, Stephen Loye, Alain Rivière...). Ses derniers ouvrages parus sont : Descente de médiums (P.O.L., 2014) et Les années 10 (la Fabrique, 2014).
Diane Scott a travaillé pendant de nombreuses années comme metteur en scène. Directrice de la compagnie de théâtre « Les corps secrets », elle a été lauréate de la Villa Médicis Hors les Murs en 2011. Elle a mené parallèlement un travail de critique dramatique qui l'a conduite à la recherche. Actuellement doctorante à Amiens, elle étudie les rapports entre le théâtre et la modernité politique. Elle a écrit Carnet critique, Avignon 2009 (L’Harmattan, 2010) et est rédactrice en chef de Revue Incise, une revue de théâtre liée au Studio-Théâtre de Vitry.
Marinella Senatore, née en Italie en 1977, vit et travaille à Berlin. Sa pratique artistique est caractérisée par la participation du public. L’idée est de stimuler la puissance créative d’une foule en lançant un dialogue entre l’histoire, la culture et les structures sociales. Son travail nous invite à créer une oeuvre participative dans lequel tout le monde peut jouer un rôle. Depuis 2006, la pratique artistique de Marinella Senatore a rassemblé d'innombrables équipes ou groupes (résidents locaux, étudiants universitaires, associations de retraités, travailleurs, danseurs amateurs,...) à travailler ensemble sur d'autres formes de narration. Elle travaille avec la vidéo, l’installation, la performance, la photographie, le dessin. Ses projets ont été largement exposés en Italie et à l’étranger entre autre au Château de Rivoli, Turin (Italie) ; Museum of Contemporary Art, Santa Barbara (Californie, USA) ; 54ème Biennale de Venise, Illuminations (Italie); Liverpool Biennial (Royaume Uni) ; Petach-Tikva Museum of Art, Tel Aviv (Israël) ; 12ème Biennale de Cuenca (Equateur) ; Moderna Museet Stockholm (Suède).
Sophie Wahnich est historienne. Agrégée et docteur en histoire, elle est directrice de recherche au CNRS rattachée à l'Institut Interdisciplinaire du Contemporain (IIAC) et directrice de l'équipe Tram « Transformations radicales des mondes contemporains ». Son travail porte sur la Révolution française et le temps présent. Sa thèse avait pour sujet la notion d’étranger dans le discours de la Révolution française. Son HDR [Habilitation à Diriger des Recherches] s'intitulait Histoire des émotions et présents de l'histoire, une approche politique et anthropologique du sensible en politique. Elle est membre du comité de rédaction de la revue Vacarme et directrice de la collection L'histoire rejouée aux Prairies ordinaires. Parmi ses ouvrages : L’Intelligence politique de la Révolution française (Paris, Textuel, 2013), Mondes méditerranéens, l’émeute au cœur du politique, L'homme et la société (nos 187-188, octobre 2013, Éditions Harmattan), La Longue Patience du peuple, 1792, naissance de la République (Paris, Payot, 2008), Les Émotions, la Révolution française et le présent : Exercices pratiques de conscience historique (Paris, CNRS Éditions, 2009).
Hannah Wiker est née en 1990 à Stockholm. Elle habite et travaille à Oslo, où elle étudie à la Kunstakademiet de l’Oslo National Academy of the Arts.. Travaillant avec plusieurs médiums, elle privilégie cependant le film et la vidéo dans une approche documentaire.
Elle vient du champ du cirque contemporain et de la performance et a suivi l’enseignement du Cirkus Cirkör de Stockholm et de Copenhague.
Elle travaille activement au sein du réseau « No Human is Illegal », qui focalise son action sur les jeunes et les enfants, et lutte pour les droits des sans papiers, soutenant le « no nations » et l’accès aux besoins vitaux premiers.